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The Annunciation (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid)

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      3. <dc:description xml:lang="es">**La Anunciación** fue un tema que El Greco repitió en varios momentos de su carrera. Este episodio de la vida de la Virgen, junto con otros como la Adoración de los pastores, las representaciones de san Pablo o las de san Francisco místico, constituyen en su trayectoria atractivas series que permiten reconstruir su estilo y evolución a través de un mismo asunto. En el caso de la Anunciación, su comparación con lienzos o tablas de su periodo italiano y español ejemplifican la transformación que experimentó su estilo. En los inventarios realizados a la muerte del pintor, en 1614, y con motivo del matrimonio de su hijo Jorge Manuel, en 1621, se encontraban registradas varias obras con la Anunciación. Esta tela fue una adquisición de Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza realizada en 1975. La pintura perteneció al príncipe Corsini, en Florencia, pasando después a la colección de Luigi Grassi, con sede también en Florencia. En 1927 se localiza en Londres, y posteriormente en dos galerías: Trotti et Cie en París y Knoedler en Nueva York. De Estados Unidos pasó otra vez a Florencia, a la colección de Alessandro Contini-Bonacossi, último propietario antes de entrar en Villa Favorita. Mientras estuvo en esta colección, la obra participó por primera vez en una exposición celebrada en Roma, en 1930. Esta Anunciación, fechada hacia 1576, se inscribe dentro de su periodo italiano y ha sido considerada una de las últimas versiones del tema realizadas por El Greco en Italia. El modelo, como ha señalado Álvarez Lopera, deriva de la pequeña Anunciación pintada en una de las alas del Tríptico de Módena, más que de las versiones conservadas en el Museo del Prado y en la colección Muñoz. Analizando el Tríptico de Módena y la tela del Museo Thyssen Bornemisza, hallamos similitudes en multitud de detalles, como son la posición y fisonomía de la Virgen, la forma del reclinatorio, las ropas del arcángel e inclusive la colocación de los brazos y de la pierna izquierda de María. En las obras del Museo del Prado y de la colección Muñoz, la Virgen mantiene el tronco casi recto, girando la cabeza hacia el ángel, y su pierna izquierda más pegada al pupitre. La postura que El Greco elige para su figura, tanto en el Tríptico de Módena como en la tela del Museo Thyssen-Bornemisza, se define con una diagonal organizada con el eje del cuerpo y la pierna, cuya rodilla se marca entre las telas. La pintura fue objeto de estudio por parte de Venturi, que la dio a conocer a un importante sector de la crítica de arte; Wethey la consideró como uno de los trabajos «más gratos» de la primera época del pintor. El Greco recurre para componer este lienzo a una serie de pormenores y elementos concretos extraídos de pintores italianos a los que el cretense estudió. Sin embargo, estos préstamos se transmutan en sus telas fundiéndose con maestría y creando una obra cuyo resultado final es personal. Esta Anunciación se inspira en composiciones del mismo tema de Tiziano y Tintoretto, aunque El Greco invierte en sus composiciones el lugar destinado a los protagonistas. Referencias más concretas se encuentran en la Anunciación de Tintoretto de la Scuola de San Rocco, de donde Theotokópoulos toma como punto de referencia las figuras. Del Tintoretto también copia, aunque sin ejemplos precisos, el tratamiento que da a los paños. De la obra del Veronés deriva la figura del arcángel de esta composición, de refinada y elegante pose. La luz y el colorido están tomados de las obras de Tiziano, maestro al que admiró en el uso del color y al que consideró inigualable en ese arte. La Anunciación del Museo Thyssen-Bornemisza supone un paso más en la formación del Greco como pintor occidental. Aquí ya no utiliza complicadas arquitecturas para crear el espacio: el ajedrezado del suelo, el cortinaje rosa, la balaustrada que corta el fondo y la consistencia con que coloca a los personajes son los medios de los que se vale para dar veracidad a la escena. El pintor ha evolucionado respecto a las composiciones del Tríptico de Módena y de la tabla del Museo del Prado, elaborando de nuevo el tema en el que se ha esforzado en diferenciar las distintas naturalezas de los personajes: la humana de la Virgen y la celeste del arcángel. Incluso el rompimiento de gloria que ocupa la zona superior tiene un desarrollo mayor que en las anunciaciones realizadas con anterioridad. La valentía de los escorzos de algunos de los ángeles que asoman entre las nubes son un presagio de lo que El Greco pintará en España.</dc:description>

      4. <dc:description xml:lang="es">Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid)</dc:description>

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      1. <skos:prefLabel xml:lang="es">El Greco</skos:prefLabel>

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      6. <skos:altLabel xml:lang="es">Δομήνικος Θεοτοκόπουλος</skos:altLabel>

      7. <skos:altLabel xml:lang="es">Doménikos Theotokópoulos</skos:altLabel>

      8. <skos:note xml:lang="es">**Doménikos Theotokópoulos**, en griego Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Candía, 1541 – Toledo, 1614), conocido como **el Greco** («el griego»), fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez. Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y Tintoretto, y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo (España), donde vivió y trabajó el resto de su vida. Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores —él siempre se consideró parte de la escuela veneciana—; por último, su estancia en Roma le permitió conocer la obra de Miguel Ángel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma. Su obra se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas -en los que a menudo participó su taller- y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando en sus últimos años. Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. Esta alta consideración es reciente y se ha ido formando en los últimos cien años, cambiando la apreciación sobre su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que llegó a considerarse un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte.</skos:note>

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      1. <skos:prefLabel xml:lang="es">Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid)</skos:prefLabel>

      2. <skos:note xml:lang="es">El Museo Thyssen-Bornemisza es una pinacoteca de maestros antiguos y modernos ubicada en Madrid (España). Su existencia se debe al acuerdo de arrendamiento (1988) y a la posterior adquisición, por parte del Gobierno español (1993), del núcleo más valioso de la colección privada reunida a lo largo de siete décadas por la familia Thyssen-Bornemisza. Este fondo artístico aportó ejemplos de numerosos pintores extranjeros ausentes de los museos españoles, desde el gótico de los siglos XIV y XV (Duccio, Jan van Eyck) hasta el pop art y los años 80 (Roy Lichtenstein, Lucian Freud), por lo que vino a complementar el repertorio visible en los dos principales centros estatales, el Prado y el Reina Sofía. La apertura del Museo Thyssen-Bornemisza en 1992 dio el vértice que faltaba al Triángulo del Arte del Paseo del Prado, área museística de Madrid que concentra el acervo pictórico más importante de Europa. El Thyssen-Bornemisza es uno de los museos españoles de mayor éxito: en 2012 expidió más de 1,25 millones de entradas, situándose entre los más visitados del mundo. La institución, gestionada por una fundación bajo control público, tiene su sede en un edificio histórico, el Palacio de Villahermosa, donde custodia el grueso de su colección: más de 700 obras (otras 60 se exhiben en el MNAC de Barcelona). Gracias a un anexo sumado en 2004 amplió su exhibición con unas 240 piezas más, prestadas por Carmen Cervera, viuda del barón Thyssen.</skos:note>

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    6. <skos:Concept rdf:about="http://elgreco.digibis.com/concepts/371">

      1. <skos:prefLabel xml:lang="es">Exposición "El Griego de Toledo" (14-marzo-2014/14-junio-2014)</skos:prefLabel>

      2. <skos:prefLabel xml:lang="en">Exhibition "The Greek of Toledo" (March, 14th, 2014/June, 14th, 2014)</skos:prefLabel>

      3. <skos:note xml:lang="es">Aunque parezca sorprendente, nunca se ha realizado una exposición sobre el Greco en Toledo. En 1902 se celebró la primera muestra sobre el artista en el Museo del Prado y, desde entonces, la figura del pintor se ha dado a conocer a través de exposiciones en el mundo entero, pero nunca en Toledo, su ciudad. El Museo de Santa Cruz es la sede, junto a los llamados Espacios Greco, de la mayor exposición jamás realizada de la obra del pintor: la Sacristía de la Catedral de Toledo, la Capilla de San José, el convento de Santo Domingo el Antiguo, La Iglesia de Santo Tomé y el Hospital Tavera. Estos espacios conservan los lienzos originales, lo que ofrece a la exposición un carácter único e irrepetible fuera de Toledo. ¿ Obras de toda su carrera Esta exposición parte de la actividad del Greco antes de llegar a España, de Candía y Venecia a Roma, con la mirada puesta en su primera formación como maestro pintor en Creta y su paulatina apropiación de los modos occidentales italianos, a la sombra de Tiziano, Tintoretto, Giorgio Giulio Clovio, Miguel Ángel y otros artistas italianos de lienzos o estampas. Pone un importante énfasis en su labor como retratista, la única con la que obtuvo fama y el reconocimiento de sus clientes contemporáneos, incluso a pesar de su contraste con el tipo de retrato vigente en la España de Felipe II. Se presenta al Greco como pintor de imágenes devocionales en España, vinculándose esta actividad con sus estrategias comerciales y su tendencia a la réplica seriada de sus composiciones, así como a la difusión final de las mismas a través de la estampa, medio que le permitía ampliar su oferta y diversificar sus clientes. Además, en España desarrolló sus capacidades escenográficas evolucionando como artista, de pintor a inventor y pintor de retablos complejos y pluridisciplinares en los que diseñaba su arquitectura y sus esculturas, lo cual le exigió un nuevo aprendizaje, transformándolo en un artista plural. Lugar: Espacios Greco y Museo de Santa Cruz ¿Fecha: del 14 de marzo al 14 de junio Horario: Todos los días, de 10 a 20 h ¿ ¿Comisario: Fernando Marías¿ ¿Coordinadora: Casilda¿ Ybarra Tomado de: http://www.elgreco2014.com/#!el-griego-de-toledo/c1sbg</skos:note>

      4. <skos:note xml:lang="en">The link between El Greco (Candia, Crete, 1541-Toledo, 1614) and the City of Toledo is an historical fact and, yet, no exhibition devoted to this painter has ever taken place in Toledo. For this reason, in order to mark the 400th Anniversary of the artist's death on 7th April 1614, this exhibition will be held in the city that best reflects his career and influence. The exhibition will be staged at the Museum of Santa Cruz, extending to different spaces throughout Toledo known as El Greco Venues, thus providing an in-depth insight into the different places where El Greco carried out his work: the Vestry of Toledo Cathedral, The Chapel of San José, the Convent of Santo Domingo el Antiguo, the Church of Santo Tomé and the Tavera Hospital. These venues preserve their original paintings, thus endowing this exhibition with its unique flavour, one that simply cannot be repeated outside Toledo. The exhibition will contrast with others devoted to the artist to date, going beyond the habitual approaches. On this occasion we will come across a more complex character, one who is more closely embedded in the original artistic, work-related and intellectual context of the "Greek of Toledo", as he was known in his time. In this respect, the exhibition will present the Cretan painter within his Toledan setting and milieu, as a leading figure in an artistic and cultural scene of trans-national and plural character, always seeking to explain his work within the context of the activities pursued by the artists who worked for Philip II and Philip III in Toledo or in Madrid. The exhibition will commence with El Greco's activities before he arrived in Spain, in Candia and Venice and Rome, based on an analysis of his early training as a master painter in Crete and his gradual appropriation of Italian styles, influenced by Titian, Tintoretto, Giorgio Giulio Clovio, Michelangelo and other Italian painters. A portrait painter The exhibition will place a strong emphasis on his work as a portrait painter, the only genre in which he obtained fame and recognition from his contemporaries, even in spite of the contrasts between his work and the typical portraits that were produced in the Spain of Philip II. El Greco will be presented as a painter of devotional images in Spain, linking this up with his commercial strategies and his tendency to produce serial replicas of his compositions, based on the final distribution of these works in the form of prints. In fact, prints constituted a medium that enabled him to both increase the number of paintings he could offer and diversify his range of clients. Furthermore, it was in Spain where he would develop his taste for theatrical settings, evolving as an artist from a painter to an inventor and creator of complex and pluri-disciplinary alter-pieces, works in which he designed the architecture and the sculptures as well.</skos:note>

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    7. <skos:Concept rdf:about="http://elgreco.digibis.com/concepts/106">

      1. <skos:prefLabel xml:lang="es">1570-1577: Roma</skos:prefLabel>

      2. <skos:prefLabel xml:lang="en">1570-1577: Rome</skos:prefLabel>

      3. <skos:note xml:lang="es">La etapa romana (1570-1577) puso fin a sus años en Italia. En 1570 abrió un taller de pintura en Roma, el erudito Fulvio Orsini le puso en contacto con el círculo intelectual romano, conoció al miniaturista Giulio Clovio y al cardenal Farnesio, entrando a trabajar en su palacio, y en 1572 fue admitido como miniaturista en la Academia de San Lucas. En Roma se impregnó del manierismo dominante, tras la muerte de Rafael y Miguel Ángel, y de los preceptos contrarreformistas salidos del Concilio de Trento (1545-1563). De sus obras romanas hay que citar El Soplón (1570), Retrato de Giulio Clovio (1571) y Anunciación (1573). Hacia 1575 el Greco era consciente de que su carrera artística en Roma estaba estancada, entre otros motivos por considerarse al mismo nivel que Miguel Ángel, algo que le enemistó con el influyente sector miguelangelesco del círculo intelectual romano. Don Luis de Castilla le persuadió de que la mejor opción era instalarse en España para trabajar en Toledo y en la decoración del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.</skos:note>

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    8. <skos:Concept rdf:about="http://elgreco.digibis.com/concepts/13">

      1. <skos:prefLabel xml:lang="es">Pintura</skos:prefLabel>

      2. <skos:prefLabel xml:lang="en">Painting</skos:prefLabel>

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    9. <skos:Concept rdf:about="http://www.iconclass.org/rkd/73AA52/#">

      1. <skos:prefLabel xml:lang="en">The Annunciation</skos:prefLabel>

      2. <skos:prefLabel xml:lang="es">La Anunciación</skos:prefLabel>

      3. <skos:note xml:lang="en">La representación de la anunciación es uno de los temas más populares del arte cristiano, encontrando paralelo solamente en las imágenes de la Virgen con el niño y de la crucifixión. El episodio es narrado tanto en texto canónicos como en libros apócrifos. Según la narrativa del Evangelio de Lucas (1, 26-48), el arcángel Gabriel fue enviado por Dios para anunciar a María, esposa de José, descendiente de la casa de David, que ella sería la madre de Jesús, «Hijo de Dios»:4 No temas, María, porque Dios te ha favorecido. Concebirás y darás a luz un hijo, y le pondrás por nombre Jesús; él será grande y será llamado Hijo del Altísimo. El Señor Dios le dará el trono de David, su padre, reinará sobre la casa de Jacob para siempre y su reino no tendrá fin. Frente a un cuestionamiento de María («¿Cómo puede ser eso, si yo no tengo relaciones con ningún hombre?»), a lo que el ángel replica: «El Espíritu Santo descenderá sobre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra. Por eso el niño será Santo y será llamado Hijo de Dios. También tu parienta Isabel concibió un hijo a pesar de su vejez, y la que era considerada estéril, ya se encuentra en su sexto mes, porque no hay nada imposible para Dios», María dijo entonces: «Yo soy la servidora del Señor, que se cumpla en mí lo que has dicho». Y el Ángel se alejó.4 La iconografía de la anunciación surgió en el Oriente Medio, donde la fiesta de Nuestra Señora de la Anunciación es conmemorada desde al menos el siglo V, extendiéndose en seguida por todo el mundo cristiano.4 La representación tradicional trae a María posicionada a la derecha y al ángel posicionado a la izquierda del observador, con Gabriel asumiendo la postura de que habla y la Virgen lo escucha y acepta. María era indistintamente representada como una simple mujer, muchas veces costurando un paño, simbolizando, de acuerdo con el Evangelio de Juan (10:1) al «tejido del velo del Templo». El ángel era representado en postura erecta, con un semblamente inequívocamene masculino, a veces, extendiendo su mano derecha hacia la Virgen. Con el paso de la Edad Media, la representación del episodio se fue volviendo gradualmente más compleja, desde la elaboración de la indumentaria de María y del ángel, hasta la inclusión de símbolos místicos, como ramos de lirio, o bien un recipiente con agua, símbolos de la pureza.4 5 En el siglo XII, se volvió habitual la representación de la Virgen de la Anunciación sosteniendo la biblia en sus manos, como una premonición de su propio destino. Se integraron en la iconografía la paloma blanca o una luz divina, simbolizando al Espíritu Santo. En el sur de Europa, era frecuente la ambientación de la escena en jardines y palacios, al punto de que los artistas del norte prefirieron retratar el episodio en ambientes domésticos o eclesiásticos. Ya en el Renacimiento, se volvió común la substitución de la biblia por un libro de horas. La Virgen ya no fue representada solamente en actitud de resignación, sino más bien sorprendida por la vista del ángel. El dramatismo de este acto, del efecto visual más efectivo, fue continuamente explorados por los artistas del Manierismo y del Barroco. La iconografía se volvió menos rígida, dando a los artitas cierta «libertad inventiva».4 5 En este último contexto se sitúan las múltiples representaciones del episodio hechas por El Greco, a pesar de que sus obras a menudo hacen uso de ciertos atributos de la iconografía medieval, especialmente en su aspecto bizantino.</skos:note>

      4. <skos:note xml:lang="es">La representación de la anunciación es uno de los temas más populares del arte cristiano, encontrando paralelo solamente en las imágenes de la Virgen con el niño y de la crucifixión. El episodio es narrado tanto en texto canónicos como en libros apócrifos. Según la narrativa del Evangelio de Lucas (1, 26-48), el arcángel Gabriel fue enviado por Dios para anunciar a María, esposa de José, descendiente de la casa de David, que ella sería la madre de Jesús, «Hijo de Dios»: No temas, María, porque Dios te ha favorecido. Concebirás y darás a luz un hijo, y le pondrás por nombre Jesús; él será grande y será llamado Hijo del Altísimo. El Señor Dios le dará el trono de David, su padre, reinará sobre la casa de Jacob para siempre y su reino no tendrá fin. Frente a un cuestionamiento de María («¿Cómo puede ser eso, si yo no tengo relaciones con ningún hombre?»), a lo que el ángel replica: «El Espíritu Santo descenderá sobre ti y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra. Por eso el niño será Santo y será llamado Hijo de Dios. También tu parienta Isabel concibió un hijo a pesar de su vejez, y la que era considerada estéril, ya se encuentra en su sexto mes, porque no hay nada imposible para Dios», María dijo entonces: «Yo soy la servidora del Señor, que se cumpla en mí lo que has dicho». Y el Ángel se alejó. La iconografía de la anunciación surgió en el Oriente Medio, donde la fiesta de Nuestra Señora de la Anunciación es conmemorada desde al menos el siglo V, extendiéndose en seguida por todo el mundo cristiano.4 La representación tradicional trae a María posicionada a la derecha y al ángel posicionado a la izquierda del observador, con Gabriel asumiendo la postura de que habla y la Virgen lo escucha y acepta. María era indistintamente representada como una simple mujer, muchas veces costurando un paño, simbolizando, de acuerdo con el Evangelio de Juan (10:1) al «tejido del velo del Templo». El ángel era representado en postura erecta, con un semblamente inequívocamene masculino, a veces, extendiendo su mano derecha hacia la Virgen. Con el paso de la Edad Media, la representación del episodio se fue volviendo gradualmente más compleja, desde la elaboración de la indumentaria de María y del ángel, hasta la inclusión de símbolos místicos, como ramos de lirio, o bien un recipiente con agua, símbolos de la pureza. En el siglo XII, se volvió habitual la representación de la Virgen de la Anunciación sosteniendo la biblia en sus manos, como una premonición de su propio destino. Se integraron en la iconografía la paloma blanca o una luz divina, simbolizando al Espíritu Santo. En el sur de Europa, era frecuente la ambientación de la escena en jardines y palacios, al punto de que los artistas del norte prefirieron retratar el episodio en ambientes domésticos o eclesiásticos. Ya en el Renacimiento, se volvió común la substitución de la biblia por un libro de horas. La Virgen ya no fue representada solamente en actitud de resignación, sino más bien sorprendida por la vista del ángel. El dramatismo de este acto, del efecto visual más efectivo, fue continuamente explorados por los artistas del Manierismo y del Barroco. La iconografía se volvió menos rígida, dando a los artitas cierta «libertad inventiva».4 5 En este último contexto se sitúan las múltiples representaciones del episodio hechas por El Greco, a pesar de que sus obras a menudo hacen uso de ciertos atributos de la iconografía medieval, especialmente en su aspecto bizantino.</skos:note>

      5. <skos:inScheme rdf:resource="http://elgreco.digibis.com/schemas/23" />

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    10. <skos:Concept rdf:about="http://tesauros.mecd.es/tesauros/materias/1029601">

      1. <skos:prefLabel xml:lang="es">Pintura al óleo</skos:prefLabel>

      2. <skos:prefLabel xml:lang="en">Oil painting</skos:prefLabel>

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      4. <skos:notation>Pintura al óleo</skos:notation>

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